Catégorie : Cinéma

Ni chaînes ni Maitres un film de Simon Moutaïrou

Ecrire peut ressembler à de la loterie ou à un exercice de télépathie ratée. Tant de pensées et tant d’énergie engagée et un mauvais choix peut tout gâcher alors que cela commençait bien et que notre temps- et aussi l’attention des autres- reste compté. Et limité.

C’est peut-être aussi parce-que je refuse encore- un peu -d’être dompté par cette addiction aux images qui a propulsé ses comptoirs dans nos vies et nous vide de notre intériorité en nous maintenant à l’arrêt que j’ai recommencé récemment à retourner voir des films au cinéma (à raison de deux films d’affilée au minimum) et que je me remets ce soir à écrire.

Je vais au cinéma comme d’autres prient, voyagent, partent en pélérinage ou vont à la messe.

Je me suis aussi rappelé que le cinéma pouvait me donner une éducation et m’apporter un certain répit.

J’aime encore le fait de me mouvoir et d’aller chercher corporellement dans l’espace un Savoir, une expérience, une rencontre, un moment.

Je crois que l’expérience d’un film peut avoir des effets bénéfiques sur mon existence.

 A condition de bien choisir ses films.

Je sais aussi que cette façon de voir est attardée et qu’elle provient aussi de mon âge, de mon époque et de mon tempérament. Car, désormais, on peut aussi préférer tout faire depuis chez soi par la dématérialisation et le virtuel qui offrent  des avantages pratiques conséquents.

J’aime aussi regarder des films de divertissement ou dits grand public.

Mais vu que mon temps est compté, je dois avoir des priorités. J’ai donc rapidement écarté des films tels que Alien : Romulus de Fede Alvarez ou Deadpool & Wolverine réalisé par Shawn Levy sortis respectivement le 14 aout et le 24 juillet en salles. Deux films qu’il est encore possible de voir en version originale au moins dans le complexe cinéma parisien que je fréquente depuis plus d’une vingtaine d’années.

Au lieu d’aller crier dans l’espace et de retourner voir Wolverine s’énerver et Deadpool faire le mariole, je suis allé chercher des films qui font partie de la constellation  dite du « cinéma d’auteur».

Il y a des films d’auteurs qui marchent bien et qui « rencontrent » leur public massivement, au grand jour, et non dans une back room. Il en est d’autres qui sont peu vus car ignorés par le public ou rapidement retirés des salles de cinéma, mal distribués. Il y a ceux qui passent inaperçus au cinéma, que l’on va voir dans une salle pratiquement vide, et qui, plus tard, voire assez rapidement, deviennent cultes comme Requiem for a dream (2000) de Darren Aronofski ou  Under the Skin ( 2013) de Jonathan Glazer. Il y a des réalisateurs reconnus de leur vivant et qui sont étonnamment oubliés après leur décès comme Krzystof Kieslowski. Et d’autres, peut-être trop fous pour que les gens normaux aient pu  entendre parler d’une oeuvre telle que La Comédie de Dieu (1995) de Joao César Monteiro.

Il y a quelques films, aussi, qui, bien que faisant encore partie du cinéma d’auteur rassemblent les spectateurs car celle ou celui qui les délivre a, avec ses oeuvres cinématographiques précédentes, rempli de manière répétée au moins ces trois ou quatre conditions :

Remporté des prix dans des festivals prestigieux; été estimé(e) et soutenu par les média et les critiques de cinéma; rencontré un succès public et commercial ; révélé des oeuvres, des histoires personnelles, des actrices ou des acteurs.

Tel Emilia Pérez, le dernier film du réalisateur Jacques Audiard, sorti le 21 aout 2024, et qui a fait partie des films d’auteurs que j’ai vus (et aimé) récemment.

Et puis, il y a les films comme Ni Chaînes ni Maitres de Simon Moutaïrou sorti le 18 septembre 2024 et que je suis allé voir ce 20 septembre au matin.

La semaine dernière, je me suis étonné de ne pas citer Ni Chaînes ni Maitres lors d’une discussion avec quelques collègues à propos des films que j’avais vus récemment. Je les avais tous cités. J’avais même recommandé La Partition de Matthias Glasner qui est un film « dramatique allemand » de près de trois heures sorti le 4 septembre et qui est loin d’être léger moralement.

Mais aucune allusion spontanée de ma part concernant Ni Chaines ni Maitres à mes collègues.

Il m’a bien fallu environ deux bonnes minutes pour m’en rappeler et le rajouter, du bout des lèvres, parmi la liste des films que j’avais vus ces derniers jours. Et lorsque j’ai parlé du film, j’en ai parlé avec ménagement :

J’appréhendais de gêner ou de déranger. Je ne voulais pas gêner ou déranger mes collègues (majoritairement blancs) avec ce sujet. Je me suis presque comporté comme une personne qui confessait une faute morale. Avoir vu un film. Ce film-là. 

J’avais pourtant aimé le film.

Je crois que ce malaise que j’ai ressenti devant mes collègues raconte le sujet du film. Ou, plutôt, la façon dont son sujet est abordé ou reste abordé en France :

Tant que l’on parle d’esclavage ou de racisme anti-noir dans des grosses productions américaines, tout va bien. Cela se passe aux Etats-Unis. En France, tout cela est « digéré » ou plutôt mis dans le placard avec tout le nécessaire disponible pour l’employé de ménage ( souvent une personne noire ou arabe).

Alors qu’aux Etats-Unis, qu’est-ce-que la condition des Noirs a été ou reste dégueulasse ! Black Lives Matter. Rodney King. Martin Luther King. I Have a Dream. Spike Lee. Angela Davis. Toni Morrisson. Colson Whitehead. James Baldwin. Amistad, La Couleur Pourpre, Le Majordome, Django Unchained, Get out…..

Grand soulagement cependant. Car même si en septembre 2018, en France, lors d’une émission télévisée et bien médiatisée, un personnage médiatique comme Eric Zemmour avait pu s’autoriser à donner son avis sur le prénom de la chroniqueuse Hapsatou Sy (comme à l’époque de l’esclavage) tous les débordements liés à l’esclavage et au racisme anti noir se déroulent bien sûr aux States, aux Etats Unis, où ça peut être très dur pour « Les Blacks ».

A la rigueur, un réalisateur britannique ( un homme noir bien-sûr) comme Steve McQueen va parler de l’esclavage dans un film comme Twelve years a slave (réalisé en 2013) qui comptera plusieurs vedettes internationales ( Chiwetel Ejiofor, Brad Pitt, Michael Fassbender, Paul Dano, Benedict Cumberbatch….).

Mais en France, pour l’instant, aucun film notable ou sérieux sur l’esclavage avec Jean Gabin, Yves Montand, Lino Ventura, Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Gérard Depardieu, Romain Duris, Pierre Niney, Pio Marmaï, François Civil, Romy Schneider, Brigitte Bardot, Vanessa Paradis, Jeanne Moreau, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Maïwenn, Adèle Exarchopoulos, Alice Isaaz, Noémie Merlant, Audrey Fleurot, Audrey Tautou….

Il faut éventuellement attendre que deux humoristes ( noirs) plutôt connus comme Thomas N’gijol et Fabrice Eboué en parlent dans Case Départ en 2011 pour que l’on puisse dire qu’un film français (humoristique) qui évoque l’esclavage a eu un certain succès public. Auparavant, je crois que seul Rue Cases Nègres réalisé par Euzhan Palcy en 1983 avait pu aborder le sujet et avoir aussi un certain « succès ». Et le film d’Euzhan Palcy (inspiré du livre de Joseph Zobel) est le contraire d’une comédie.

L’ esclavage fait donc partie des sujets tabous en France en 2024 et j’ai été le propre témoin de ma dissociation à ce sujet. Car en présence de personnes noires, j’aurais sans aucun doute beaucoup plus facilement cité Ni Chaînes ni Maitres parmi les films que je suis allé voir récemment. Et qui m’ont plu. Comme Les Barbares de Julie Delpy, A son image de Thierry de Peretti, Le Procès du chien de Laetitia Dosch.

Ni Chaînes ni Maîtres  a par ailleurs dans ses avantages, le fait, pour la première fois dans une production française sur le thème de l’esclavage et du marronnage, de proposer des  acteurs français et blancs  de première main :

Camille Cottin et Benoît Magimel. Lesquels ont des rôles décisifs. Il faut aussi rajouter Marc Barbé qui fait une apparition marquante voire Félix Lefebvre, présent dans le Suprêmes d’Audrey Estrougo  (consacré au groupe de Rap NTM).

J’ai été « initié » à l’histoire de l’esclavage par mon père, en banlieue parisienne, alors que j’étais à l’école primaire et que j’écoutais- entre-autres- les mêmes variétés françaises que mes copains et copines de classe de Claude François à Michel Sardou en passant par Alain Souchon ( J’ai dix ans)  Dave (Vanina), Sheila, Joe Dassin, Ringo, Julien Clerc, Johnny Halliday, Mireille Mathieu ou Dalida ( Paroles paroles)…

Et alors que je regardais et découvrais fidèlement, émerveillé, Goldorak, San Ku Kaï mais aussi Les Mystères de l’Ouest, L’homme qui valait trois milliards ou David Vincent et les envahisseurs, Chapeau melon et bottes de cuir…La petite maison dans la prairie…Cosmos 1999, l’émission Temps X des Frères Bogdanoff.

Donc, quarante ans plus tard, un film de plus sur l’esclavage ne me faisait pas peur. Sauf que je peux en avoir assez de faire «bouffer » de l’esclavage à ma mémoire. Je ne cours pas après les films qui traitent (ce jeu de mot était trop irrésistible) de l’esclavage. Mais Ni Chaînes ni Maitres m’a rapidement donné « envie ». Cela vient peut-être du fait que le film a d’abord été très bien écrit par Simon Moutaïrou qui a d’abord été scénariste  (L’Assaut, Goliath, Boîte noire) avant de devenir réalisateur. Avant de faire son film, Simon Moutaïrou a pris le temps de rencontrer des historiennes mais aussi de lire Le Marronnage à l’Isle de France, rêve ou riposte de l’esclave ?  d’Amédée Nagapen, un ecclésiastique catholique et historien mauricien décédé en 2012 (sources Wikipédia et le Bondyblog.fr ). 

D’après mes recherches, l’ouvrage de Nagapen est aujourd’hui indisponible. Pour l’instant, de son travail, il nous reste donc…Ni Chaînes ni Maitres de Simon Moutaïrou.

Dès le début, le film nous entraîne. Ensuite, avec très peu de gestes, et en quelques images,  Benoit Magimel en Eugène Larcenet nous laisse entrevoir ce que pouvait être l’état d’esprit paternaliste d’un esclavagiste sur sa plantation. Sans grossièreté ni caricature.

Deux figures féminines (on peut en ajouter une troisième d’allure mystique) dominent le film. En la personne de Mati (l’actrice Thiandoum Anna Diakhere) la fille du héros (Massamba, l’acteur Ibrahima Mbaye) et de Madame la Victoire, la chasseuse de nègres, interprétée par Camille Cottin. Soit deux autres atouts supplémentaires du film.

J’ai aussi beaucoup aimé l’apport de la langue. Ici, beaucoup le Wolof. J’ai aussi aimé que le film nous montre ce que pouvait encore être la culture ( Wolof et autres) d’origine de ces femmes et de ces hommes avant qu’ils ne soient complètement « assimilés», francisés ou écrabouillés comme la canne à sucre qu’ils récoltent. Ni Chaînes ni Maitres se déroule en 1759 en « Isle de France » ( l’ancien nom de l’île Maurice).

Le film rappelle aussi l’addiction très ancienne de l’Humanité à la violence. Et les histoires qui en découlent où des cultures et des minorités ont eu ou ont contre elles le désavantage de l’infériorité au moins militaire, les conduisant, lorsqu’il leur est impossible de se défendre ou de résister, soit à disparaître soit à être envahies ou colonisées.

Dans la salle, parmi les spectateurs, il y avait nettement plus de personnes noires que lorsque j’étais allé voir La Partition de Matthias Glasner. Le public était aussi plus jeune. La vingtaine ou la trentaine « contre » un public de quasi retraités ou de retraités pour La Partition.

Sur le générique de fin, dans les remerciements, j’ai aperçu le nom de Anne-Sophie Nanki ( Ici s’achève le monde connu un court métrage de Anne-sophie Nanki)

Après la projection de Ni Chaînes ni Maitres, quelques personnes sont restées assises. J’ai perçu une certaine émotion que j’ai aussi ressentie. Mais je n’en n’ai rien dit.

Franck Unimon, ce lundi 23 septembre 2024 ( et mercredi 25 septembre 2024).

How to have Sex un film de Molly Manning Walker

Plus de deux semaines sont passées depuis que j’ai vu ce film en projection de presse.

Et je n’ai toujours rien écrit dessus. Le film va bientôt sortir et j’ai déjà commencé à apercevoir – sur l’affiche du film- des commentaires de la presse dithyrambiques.

Pour « bien » m’aider à rédiger cet article, j’ai égaré les quelques notes, bicoques de mes pensées, que j’avais écrites peu après avoir vu le film. Je les retrouverai peut-être après, lorsque le film sera sorti. Ce 15 novembre 2023. 

Ce matin, je me mets à repenser à ce film alors que, pour d’autres raisons qui n’ont rien à voir avec lui, je raisonne tout seul à propos de ces besoins que nous avons, qui nous poussent à vivre certaines relations douloureuses ou heureuses, et qui se partagent  peu avec les contingences de la morale et du Devoir.

Le titre du film est une entourloupe. Le sexe. Le sexe, ça excite.

Ou ça effraie.

C’est un peu comme une chouette qui nous surprend la nuit ou dans un environnement inconnu et dont on a du mal à identifier, avec autorité, l’identité ou les véritables intentions à notre sujet. On s’est alors beaucoup trop avancé, d’un pas décidé, pour passer de l’autre côté et, maintenant, on commence un peu à hésiter. A se hérisser. Mais on ne peut plus reculer. On a oublié ou perdu le trajet qui pourrait nous faire revenir à notre point de départ. Lorsque l’on était sain et sauf et que l’on avait envie d’aller de l’avant. On s’était voulu déterminé, on se rencontre maintenant autrement. On se rend compte que l’on n’avait pas tout à fait tout prévu comme on le croyait au départ, en terrain familier.

On croit que le sujet de How to have sex, c’est le sexe. On a de quoi se frotter les mains ou se caresser les lèvres du vagin en découvrant ce titre si l’on est « intéressé ( e) ».

Le résumé de l’histoire nous apprend que trois copines, Em, Skye et Tara, mineures, et encore collégiennes, partent en vacances dans l’équivalent d’un endroit comme Ibiza afin de perdre leur virginité et de connaître ce grand moment de la première fois contre le corps de l’autre. Sea, Sex and sun.

Mais il faut voir ce que l’on met dans la boite à lettres du sexe. Cette boite à lettres se trouve dans notre tête.

Pour certaines personnes, il s’agit de tirer son coup et de s’en battre les couilles- ou les ovaires- après, que l’on soit un homme ou une femme.

Je suis tombé récemment sur une vidéo de la chanteuse Miley Cirus affirmant crânement qu’après avoir couché avec quelqu’un, celle-ci ou celui-ci n’existe plus. C’est à peu près l’équivalent d’un cadavre qui a rempli son office – ainsi que ses orifices- de son vivant et dont il faut se débarrasser ou dont il faut s’éloigner au plus vite par la suite sans laisser de traces. 

Avec Miley Cirus, lorsque l’on a un rapport sexuel, on n’est pas là pour vivre ensemble.  Ni pour concevoir une quelconque relation. Si l’on recherchait un suivi de relation comme on le fait d’une lettre suivie par la poste, on s’est trompé d’endroit et de personne.

On s’est juste mis « bien » pour coucher ensemble. On est bien d’accord ! Que les choses soient claires !

Sous cette vidéo de ce qui ressemblait à une interview de Miley Cirus, on pouvait lire des commentaires admiratifs et enthousiastes de personnes vantant son inconditionnelle franchise. Je n’ai aucune idée de l’âge moyen de ces admiratrices et admirateurs mais j’ai envie de croire qu’ils étaient « jeunes », c’est à dire, pour faire très simple :

Moins de trente ans.

Lorsque l’on a moins de trente ans (ou plus ) et que, finalement, on a vécu assez peu d’histoires ou de relations qui comptent, on pourrait rejoindre cet avis de Miley Cirus ou de ces « fans ».

« Moi, c’est juste pour baiser ». « C’était pour s’amuser. Je ne lui ai rien promis. On n’est pas marié… ».

Nous sommes régulièrement « convaincus » que le sexe est devenu une livraison banale sans engagement particulier de notre part :

Entre les pubs dénudées ; les soirées plus ou moins festives; les occasions et les propositions diverses; les lieux et les sites dits de rencontres; les femmes et les hommes qui voient le sexe comme Miley Cirus ; les images élaborées d’influenceuses ou de stars féminines (Beyoncé, Rihanna etc…) acharnées à se montrer suggestives et parfaitement à l’aise pour nous expliquer que tout cela est transgressif et vise surtout à secouer ou démolir la pudibonderie hypocrite, veule et patriarcale préétablie dont le seul projet- ou objet- est de domestiquer mais aussi d’éradiquer la femme ;

Beaucoup est fait, dit, répété et montré pour nous convaincre que la sexualité, finalement, même pas mal. C’est même un outil ou un engin de délivrance et d’affirmation de soi en tant que personne libre, consciente et responsable.

 » Je fais de mon corps ce que je veux… »

Tel est à peu près l’état d’esprit de Em, Skye et Tara, les trois « meilleures amies pour la vie » lorsqu’elles décident de partir ensemble dans ce lieu de ré-jouissances où, à la façon d’un club Méd, bien des animations sont organisées (par des adultes souvent plus âgés que les jeunes venant s’y défouler) afin de boire beaucoup d’alcool mais aussi de permettre des interpénétrations charnelles faciles et rééditées sans, a priori, aucune conséquence.

Sur le papier, un tel programme, cela peut être le pied à condition d’accepter de se bourrer la gueule et de trouver ça festif. Personnellement, dans ce genre d’ambiance, j’aurais dérangé et emmerdé bien des gens car prendre une cuite, partir vomir ensuite et avoir plaisir à le raconter ne m’a jamais fait bander. Probablement, je le sais maintenant, parce-que je suis un type coincé et sans avenir.

Mais là où se rendent nos trois héroïnes, Em, Skye et Tara, fort heureusement, tout le monde ou à peu près est beaucoup plus drôle, sait prendre la vie du bon côté et se montre consentant et participatif puisque l’on y vient tous pour ça. Cela change tellement des mimiques et des corps embarrassés et des méthodes de dragues à deux balles, lorsque, dans la rue, sur la plage, en pleine forêt, sur l’autoroute ou dans le métro, on croise un inconnu ou une inconnue qui nous plait sans trop savoir  comment l’aborder ou en prenant le risque-en public- de se faire jeter ou traiter de pauvre type, de pervers ou de harceleur.

En pratique, malgré leurs bonnes dispositions, nos trois jeunes collégiennes vont découvrir qu’elles manquent peut-être encore un peu de réalisme. Et que l’on peut être une fille intelligente et rusée, et, par ailleurs, se jouer des tours à soi-même. Ou se faire rouler dans la farine.

Le réalisme, How to have sex en est pourvu. On pourra donc, lors de certaines scènes quasi-documentaires, se sentir quelque peu mal à l’aise sans être dans une position de voyeur. Comme devant des images du film Kids ( 1995) de Larry Clark auquel ce film m’a au moins fait penser. On pourra aussi se rappeler le personnage interprété par l’actrice Thora Birch dans le  American Beauty de Sam Mendes ( 1999) ou de certaines des paroles plus récentes du titre Teenage Fantasy de la chanteuse Jorja Smith. Une chanson qui aurait pu faire partie de la bande son du film.

How to have Sex, avec méthode, nous dévoile comment se forme le canevas qui va permettre la « chute » : on y trouve des personnes vulnérables qui se croient suffisamment prêtes, ouvertes, adultes et fortes pour l’aventure dans laquelle elles se sont lancées; une figure maternelle et protectrice qui ne peut pas être omniprésente et deviner la présence et l’imminence du danger; le sentimental crédule, timide, bienveillant et gentil dominé par « l’ami » tapi en embuscade, infiltré, qui, lui, agit à la moindre opportunité et sans le moindre scrupule.

Tout n’est pas pourri dans cet univers où des jeunes viennent un peu de tous les pays pour « s’amuser ». Mais il suffit qu’une personne malintentionnée s’invite et se cache parmi eux pour que les premières victimes apparaissent.

Initiatique, How to have sex l’est autant pour les trois protagonistes qu’il pourra l’être pour certaines spectatrices et spectateurs qui pourront aller voir ce film à partir de ce 15 novembre 2023.  

Franck Unimon, ce samedi 4 novembre 2023.

La beauté du Geste un film de Sho Miyake

De cœur à cœur. « Ishin Denshin ».

La beauté du geste est un titre déjà utilisé pour un certain nombre d’ouvrages et d’œuvres. On peut même trouver un album du chanteur français Gérald de Palmas, sorti en 2016, qui porte ce titre. Le film de Sho Miyake passe par un de ces principes assez radical, voire dogmatique, énoncé par le réalisateur ukrainien Myroslav Slaboshpytskyi lorsqu’il a présenté,  son film The Tribe, récompensé à Cannes en 2014 :

Le fait d’employer des mots pour parler nous sert souvent à mentir ou à dissimuler nos pensées. De ce fait, dans The Tribe ( 132 minutes), tous les protagonistes (en majorité sourds et muets) s’expriment dans la langue des signes sans le moindre sous-titre pour les spectateurs.  

Keiko Ogawa, l’héroïne de La beauté du geste, malentendante (pour éviter de dire sourde) utilise principalement la langue des signes pour s’exprimer. Et la boxe. Elle écrit aussi dans son journal intime.

Il faut avoir pratiqué un Art martial durant dix mille heures en moyenne afin de pouvoir peut-être  « obtenir » le premier niveau de la ceinture noire ou son équivalent.

C’est une règle- ou une vérité- qui varie selon les individus, selon le degré d’intimité qu’ils développent avec leur intériorité mais aussi avec celle de leurs enseignants ou leurs Maitres, des compétences de ces derniers, de leur sincérité, mais aussi selon les époques et les contextes.

Il est très difficile de savoir à l’avance à combien de rencontres, de gestes et d’expériences correspondent ces dix mille heures. Il s’agit juste d’un chiffre, d’une indication, pour donner un repère comme on pourrait signaler une étoile, une métaphore ou un indice afin de montrer vers où continuer de se diriger. Il ne s’agit pas d’une vérité rigide et comptable.

La ceinture noire ou tout autre « grade », quelle que soit la discipline concernée,

est aussi une culture du coeur.  

Et du gong.

On peut aussi comparer ça à une histoire d’Amour. Ou à toute rencontre qui, pour nous, dispose d’un décompte particulier.

Keiko Ogawa est sans doute en dessous des 10 000 heures de pratique quand « Monsieur le directeur » ( l’acteur Tomokazu Miura) de son petit club de boxe la remarque.

Le gong est une frontière. Ce n’est pas un mur.

Une des erreurs possibles, à parler de La Beauté du geste, film franco-japonais ( par la production)  qui sortira dans les salles ce mercredi 30 aout 2023, serait de seulement l’enfermer dans le ring pour toute comparaison avec  le film Million Dollar Baby  réalisé en 2004 par l’Américain Clint Eastwood. Un film  adapté par l’acteur et réalisateur Clint Eastwood d’après une des œuvres de l’auteur FX Tool, très grand connaisseur- et amateur sur le tard- de boxe anglaise.

Certes, l’héroïne de La Beauté du geste, Keiko Ogawa -interprétée par l’actrice Yukino Kishii- peut rappeler celle de  Million Dollar Baby  jouée par l’actrice Hillary Swank. Deux femmes venues sur le tard à la boxe anglaise et dont l’engagement va saisir les regards de deux entraîneurs vétérans de la boxe. D’un côté, Monsieur le directeur d’un petit club de boxe japonais (l’acteur Tomokazu Miura), de l’autre, l’ancien cow-boy et inspecteur Dirty Harry, Clint Eastwood, devenu réalisateur après avoir d’abord été un acteur mondialement connu.

19 années séparent ces deux films et le Japon est différent des Etats-Unis. Même si au décours de Hiroshima,  Nagasaki et d’abord de Pearl Harbour leurs histoires se sont confrontées mais aussi rapprochées.

Pour moi, en 1h39, La Beauté du geste émeut plus loin que Million Dollar Baby.

Sans vedettes mondialement connues. Avec un budget moindre.  Sans musique insidieuse.

Le film défie aussi – et fait oublier- la pandémie du Covid dont on aperçoit les masques et qui avait fait de nous des sacs (ou des visages) de peur et d’angoisse.

Keiko Ogawa n’a pas peur. Elle n’aime pas avoir mal. Célibataire, femme de ménage plutôt modeste dans un hôtel et dans le pays des mangas qui reste un pays riche et machiste corseté et entraîné par la recherche perpétuelle de la victoire économique, elle prend des coups et donne du courage. Celles et ceux qu’elle croise sont à son image.

La beauté du geste de Sho Miyake est un très bon film à voir avant le gong de la rentrée mais aussi après.

Franck Unimon, ce lundi 28 aout 2023.

Au cinéma : Limbo de Soi Cheang ou Mission : Impossible Dead Reckoning partie 1 de Christopher McQuarrie ?

Hier, après plusieurs semaines ou plusieurs mois d’absence, je suis retourné au cinéma. J’ai d’abord vu le film Limbo du réalisateur Hong-Kongais Soi Cheang. Un film très plébiscité par la critique. Je viens par exemple de lire sur le net, pour le qualifier, la phrase « un bijou de noirceur ». Mais, aussi : « Le polar de l’année ».

A Paris, j’avais interviewé Soi Cheang, je crois, lorsque j’étais journaliste cinéma bénévole pour le magazine Brazil. Sans doute pour le film Accident  réalisé…en 2009. Il y a 14 ans, donc. Comme nous vivons avec notre temps, je vais plutôt parler d’hier.

Hier, après Limbo, au lieu de rentrer chez moi, je suis allé voir à la suite le premier volet du dernier Mission : Impossible Dead Reckoning partie 1  « avec » l’acteur Tom Cruise en Star du film.

Ce sont deux films sortis récemment ( ce 12 juillet 2023 pour l’un et l’autre) que j’avais très envie d’aller voir. Et ce sont deux films qui m’ont « déçu ».

J’ai tout de même une nette préférence pour Limbo.

J’ai d’abord aimé la photo, le noir et blanc. L’ambiance polar. Les nervures colorées des installations électriques de la ville où se tient l’enquête. Ou, plutôt, la tempête.

 J’ai aimé le côté « confucéen » de Limbo, je dirais, où plusieurs des protagonistes portent un fardeau ou sont dans une impasse tel un destin et essaient ou de se racheter ou de l’accepter. J’ai aimé le personnage féminin de Wong To, plusieurs fois maltraitée, et qui est une description assez complète des multiples violences infligées aux femmes dans notre société masculine, urbaine, jeune, riche et moderne.

J’ai aimé la combattivité de Wong To, sa débrouillardise supérieure, bien supérieure finalement, à celle des femmes des deux flics qui sont les autres héros du film.

Je me suis dit que ce film ne pouvait être qu’asiatique pour avoir pu s’autoriser à montrer un personnage féminin sur grand écran se faire malmener de cette façon. En France, on estimera peut-être que ces violences répétées sur le personnage de Wong To font de nous des voyeurs et des complices. Pour ma part, je considère ces parties du films  plutôt comme les documents testamentaires des victimes de violences morales et physiques qui disparaissent généralement dans l’indifférence générale.

J’ai moins aimé le côté Seven du film, pour faire un rapprochement avec le film américain avec Brad Pitt et Morgan Freeman, pour l’ambiance.

J’ai moins aimé l’antagonisme, car il fallait bien en créer un, assez toc entre, d’un côté le flic expérimenté de terrain, instinctif, roublard, assez expéditif, adepte de la justice personnelle et le jeune flic intello, premier de la classe, bon élève, bien sous tous rapports, d’une intelligence très supérieure, binoclard et bien-sûr marié à une épouse toute docile, patiente, compréhensive et bien-sûr enceinte de lui.

D’un côté, le bourrin au grand cœur, de l’autre, la classe politique de celui qui a fait de très bonnes études et qui pourrait prétendre plus tard à une carrière exceptionnelle.Pourtant, au départ, cela me plaisait beaucoup que l’un des deux héros porte des lunettes. Car on voit encore très rarement des héros de films d’action ou de polars qui portent des lunettes. Mais dans Limbo, cette caractéristique est un peu trop téléphonée, un peu trop scolaire. Le réalisateur ne fait pas grand chose, je trouve, pour développer davantage le personnage de Will Ren à partir de ses lunettes. C’est juste un « truc » qui va permettre, à un moment donné du film, d’avoir son importance. Même si, bien-sûr, on peut très bien avoir une très bonne vue organique et être frappé de cécité morale ou de coeur….

On remarquera aussi que les deux femmes des flics qui sont bien-sûr des épouses « modèles » et des Pénélope n’ont pas d’autre possibilité que de vivre dans un écrin ou dans un cocon en demeurant dans l’enceinte d’une ignorance complète- ou virginale- du monde et de sa violence. Pour l’avoir peut-être ignorée, une des deux est  durement exposée à la violence du monde extérieur qui éclate bien-sûr par surprise.

Comme un viol.

Comme on le voit, il  y a des très bonnes choses dans Limbo. Ces deux héros, flics, ainsi que Wong To, qui vont jusqu’au bout d’eux-mêmes et au delà. Pour résoudre des mutilations et des assassinats de femmes marginales, tout en bas de l’échelle sociale (immigrées, camées, prostituées mais aussi mutilées autant socialement que physiquement…) dont, finalement, la société hong-kongaise, comme toute « bonne » société bien propre sur elle aurait plutôt tendance à se foutre. Sauf, bien-sûr, pour satisfaire en express et en liquide certains besoins honteux ou difficilement assumés.

Ensuite, il y a Mission : Impossible – Dead Reckoning  partie 1 avec Tom Cruise, Simon Pegg, Ving Rhames et sa voix caverneuse.

Quel que soit ce que l’on peut penser de Tom Cruise « le scientologue », je considère maintenant depuis des années que c’est un très bon acteur. Et qu’il aurait pu ou aurait dû, depuis longtemps, recevoir un Oscar. Je le pense d’autant plus que durant des années, Tom Cruise l’acteur-vedette m’a beaucoup exaspéré. Jusqu’à ce que je le voie dans Né un 4 juillet qui n’est pas mon film préféré. Ou dans Magnolia qui m’a davantage conquis.

 Mais je ne vais pas plaindre  Tom Cruise. D’autant qu’il s’en sort très bien tout seul avec ou sans cascade. Que ce soit dans des films d’action qui marchent tels que Mission : Impossible ou Jack reacher. Ou dans des films d’auteur.

Tom Cruise peut et réaliser des prouesses physiques et des cascades étonnantes. Comme il peut aussi être très drôle. Je me souviens encore de son rôle secondaire dans Tonnerre sous les Tropiques de Ben Stiller où il apparaît déguisé et se montre particulièrement drôle en producteur de cinéma et aussi très porté sur l’autodérision. Pourtant, le film date de….2008.

Si je me permettais une comparaison, je dirais que Tom Cruise est peut-être au cinéma ce que Novak Djokovic est au tennis. On peut ne pas les aimer pour leurs positions, leurs attitudes ou leurs propos. Des positions, des attitudes et des propos, d’ailleurs, que je désapprouve (concernant la scientologie, le nationalisme serbe, à propos du Covid…).

Par contre, il est impossible de leur dénier leur professionnalisme dans leur domaine ainsi que le niveau exceptionnel ou hors-norme de leurs performances mais aussi de leur longévité comme de leur carrière.

Dans Mission : Impossible – Dead Reckoning partie 1, on retrouve bien-sûr tout le côté « James Bond » de Tom Cruise. Car, pour moi, dès que Tom Cruise a commencé à mettre la main sur le personnage de Ethan Hunt dans Mission : Impossible, ça a toujours été pour se tailler sur mesure son costard de « James Bond ».  Ce qui est bien sûr très loin de la série télévisée que nous avons pu voir dans les années 70-80. Mais, ça, c’est le cinéma.

Bon, dans Mission : Impossible- Dead Reckoning, il y a du spectaculaire, des grandes cascades, des courses poursuites, de l’humour.

Mais c’est très bourrin. J’ai très envie d’écrire :

« C’est très Américain-bourrin ». C’est « Nous sommes les Américains et on va tout défoncer ! ». Soit version militaire, soit version parc d’attractions gigantesque à l’Américaine.

 Je sais bien que l’on va voir ce film pour se distraire. Et, je suis d’ailleurs allé le voir pour cela. Autrement, je serais allé voir L’Amour des forêts de Valérie Donzelli avec l’actrice Virginie Efira qui continue de beaucoup me plaire et m’étonner et l’acteur Melvil Poupaud, qui nous raconte apparemment de façon réaliste une histoire d’emprise psychologique au sein d’un couple.

Sauf que je trouve à Mission : impossible-Dead Reckoning partie 1 des allures de fête foraine des années 70. On a des très gros moyens pour faire boum-boum alors on fait boum-boum et vroum-vroum. Je ne vois pas ce qu’il y a des très novateur dans ce film. En termes de cascades il y a néanmoins sans aucun doute du très bon travail de réalisé.

Mais en termes d’intrigue. De personnages….on est très très loin de la subtilité de Casino Royale avec Daniel Craig ( ou les Jason Bourne auquels les Mission : Impossible « de » Tom sont aussi comparés) qui cumulait action musclée et surprenante et, tout de même, un peu de mystère. Plus d’épaisseur quant aux personnages joués. Alors que là, tout est souvent caricatural. Rentre-dedans. Presque vulgaire. Beaucoup trop pop-corn pour moi.

Il faut nous le dire si ce film est plus une comédie qu’un film d’action. Les femmes dans Mission-impossible : Dead Reckoning partie 1 ? Il y en a quatre qui ont un rôle a priori conséquent et qu’il vaut mieux éviter de prendre à la légère. Ce serait donc un film féministe ?

Sans surprise, Ethan Hunt les retourne toutes ou devient d’une façon ou d’une autre leur protecteur imminent. Car il les lui faut toutes bien-sûr tandis que ses deux acolytes, Simon Pegg, Ving Rhames mais aussi tous les autres mâles de la bande ont bien d’autres préoccupations.

Et Ethan Hunt réalise cela sans coucher car ce n’est pas un proxénète. Comment fait-il ? La scientologie peut-être.

Néanmoins, j’ai bien aimé la définition de Ethan Hunt :

«  Un caméléon télépathe ». C’est bien trouvé.

Si dans Limbo, on ressent les coups portés mais aussi de l’empathie pour les personnages, devant Mission-impossible : Dead Reckoning partie 1, tout le décor fait toc. On a beau faire défiler les endroits et flirter avec bien des références cinématographiques ou autres ( Venise…) on se rappelle tout le temps ou souvent que l’on est au cinéma. Alors que dans Limbo, le film nous enserre quand même dans sa toile.

Franck Unimon, ce mardi 18 juillet 2023.

Les Rascals un film de Jimmy Laporal-Trésor

Sorti en janvier 2023, auréolé d’assez bonnes critiques, Les Rascals est passé assez inaperçu devant le public derrière les « colosses » Black Panther 2 et Avatar 2 présents également en salles en ce début d’année. Cependant, comme dans certaines oeuvres cinématographiques où l’on a pu voir « débuter », certaines actrices et acteurs, amusons-nous à mémoriser aujourd’hui le visage et les noms des acteurs principaux de cette pièce visuelle. Nous aurons plaisir à nous en rappeler plus tard lorsque certains membres du casting deviendront des artistes « reconnus ».

En effet, parmi les assez innombrables sorties de films, de séries, et leurs copies, peut-on dire que  Les Rascals est un petit film d’auteur de plus ?

Côté filiation, l’œuvre de Jimmy Laporal-Trésor, dont l’histoire se déroule à Paris ainsi qu’en banlieue parisienne dans les années 70-80 d’avant l’explosion de l’épidémie du Sida, m’a tout de suite fait penser à Un Français réalisé par Diasteme en 2014 et à The Club (Neil Thompson, 2008). Mais, bien-sûr, il peut être relié à d’autres oeuvres antérieures en particulier anglo-saxonnes.

Croquis social, Les Rascals se situe à l’époque où le groupe de rockabilly les Stray Cats avait la côte tandis que refluait en France hors des cendres du temps un racisme anti arabe et anti noir de plus en plus pressé sur la scène politique française par le Front National du papa de Marine Le Pen. Laquelle était alors étrangère à toute ambition politique comme à toute exposition médiatique. Sa nièce était alors à peine issue de la conception. Et Eric Zemmour était peut-être encore étudiant, jeune journaliste ou devait faire du porte à porte quelque part en essayant de vendre des tapis de sol pour la pratique du yoga.

Comme dans Un Français de Diasteme, le film réussit bien le portrait féminin fascisant de la jeune Frédérique (l’actrice Angelina Woreth). Il m’est difficile de savoir si cela a été voulu par Jimmy Laporal-Trésor mais le personnage de la jeune Frédérique peut, à un moment donné, évoquer celui de la jeune femme qui avait appâté Ilan Halimi en 2006.

Néanmoins, il est peut-être encore un peu tôt pour que le cinéma français s’empare d’un rôle féminin comme celui de la jeune Frédérique et le regarde dans les yeux de bout en bout. A l’image de ce que  Diasteme avait pu faire avec le personnage interprété par Alban Lenoir dans Un Français.

Mais l’un des autres personnages très importants du film, c’est la musique.

Musicalement, à l’époque que nous raconte Les Rascals, le Rap  démarrait pour de bon mais on ne le savait pas encore. Ses danses attiraient davantage l’attention en particulier au Trocadéro. Dans Les Rascals, on aperçoit Sidney, l’ancien animateur radio, « héros » d’une époque avec son émission télévisée consacrée au Hip Hop.

Bob Marley, lui,  était mort depuis peu. Serge Gainsbourg était encore vivant. La New Wave avait déjà ses standards. Le Hard Rock était entré par effraction dans les collèges avec AC/DC et était à certains ados  ce que le Rap allait devenir ensuite d’abord pour des ados de cités et de banlieue. Le Zouk arrivait mais le monde ne connaissait pas encore le groupe Kassav’. Le Rock semblait encore être le plus grand armateur musical du monde.

Les Rascals, film sonorisé par le groupe Delgrès, prend particulièrement soin d’ancrer son histoire aussi avec quelques pochettes de disques telles celle de l’album vinyle Thriller de Michaël Jackson ou celle du groupe antillais Lazair.

Culturellement, Jimmy Laporal-Trésor a d’ailleurs axé son film selon un point de vue antillais. Et, j’ai beaucoup aimé sa description de certains des codes de la culture antillaise. Qu’il s’agisse du recours au Créole lors de certains passages ou des relations du héros Rudy (l’acteur Jonathan Feltre) avec sa mère. Depuis au moins Rue Cases-Nègres adapté par Euzhan Palcy en 1983, en passant par les films de Jean-Claude Flamand-Barny plus tard, Les Rascals contribue à l’édification d’une mémoire cinématographique qui inclut les Antilles françaises…dans l’Histoire de France. Car le film montre au grand jour que les Antillaises et Antillais, en France, à l’image de bien des immigrés, ont pu être considérés comme les restes d’un univers souterrain, ignoré, vitrifié, sacrifié.

Mais Les Rascals est aussi de ces films à classer dans la catégorie des Stand By me : des copains qui se connaissent depuis l’enfance et meurtris par un environnement et un trauma communs se soudent jusqu’à espérer franchir ensemble le mur du son du monde adulte.

Franck Unimon, ce jeudi 23 février 202

Rewind and play un film documentaire d’Alain Gomis

Au cinéma le 11 janvier 2023.

On l’oublie à voir la mine éblouie de Thélonius Monk alors qu’il descend sur le tarmac de l’aéroport de Paris en 1969 à l’âge de 52 ans et qu’il est déjà un artiste reconnu. Mais lorsque l’on arrive dans un nouveau pays on s’attend à ce que la vie y soit différente.

Le nouveau film du réalisateur Alain Gomis est constitué du montage d’archives qu’il a retrouvé du passage de Thélonius Monk, et de sa femme Nellie, à Paris.

Le pianiste de jazz Thélonius Monk ( 1917-1982) ne dira pas grand chose à celles et ceux qui sont nés à partir des années 1980 ou qui ne voient par exemple que par Mylène Farmer, Angèle, Soprano, Damso, Jul, PNL, Goldman et Jones, les Stones, Beyoncé, Booba ou Billie Eilish. Pour les autres, historiens, amateurs de Thélonius Monk ou de jazz, ce « documentaire » intrigue.

Gomis laisse parler les images ainsi que le puzzle Monk. Ce sont des mystères visuels. Ceux-ci nous paient en musique. Souvent mutique, probablement psychotique, la dysarthrie de Monk, ses absences et son incapacité à s’avancer jusqu’à une élocution simple, malgré les efforts du journaliste français qui l’entoure,  nous font d’abord regretter son naufrage parmi les hommes.

Monk ressemble alors au Lenny des Souris et des hommes de Steinbeck. Pour sa grande taille massive, et sa façon d’être à côté dès lors qu’il cesse d’arpenter le clavier d’un piano.

Et sa femme Nellie, avec ses lunettes fantaisistes à la Bootsy Collins,  bien que mieux parée pour correspondre, semble aussi s’être téléportée depuis un autre monde que celui que nous appréhendons.

A priori, pourtant, nous sommes entre de bonnes mains. Monk, à Paris, donc en Europe, est reçu comme une personnalité du Jazz qui, aux Etats-Unis, parce-que noir, parce-que Jazz man, passe inaperçu. Et, l’accueil du journaliste qui reçoit Monk peut d’abord faire penser à l’hommage que rendra plus tard au Jazz le réalisateur Bertrand Tavernier avec son film Autour de Minuit (1986).

Puis, le malaise grandit. Il est difficile de savoir si, dès son arrivée en France, ou même avant, ce malaise était déja présent. Car le journaliste français (blanc) semble être un véritable amateur de Jazz et on l’envie alors qu’il raconte sa « proximité » avec Thélonius Monk,  ses séjours aux Etats-Unis et quelques moments historiques du Jazz avec Dizzy Gillespie, Sonny Rollins ou John Coltrane. On envie aussi ce journaliste quand il évoque quelques clubs de Jazz qui ont fait l’Histoire. Au départ, on a donc une certaine sympathie pour ce journaliste qui tente, de différentes façons, d’entrer en relation avec Thélonius Monk et de faire en sorte que celui-ci participe davantage au tournage de l’émission télévisée.

Sauf que Monk lui échappe en permanence.

« Fais comme tu veux » ou « Fais comme bon te semble » articule Monk difficilement. On comprend que tout ce que Monk veut, c’est être devant son piano et en jouer. No Bullshits. On est très très loin de la Star Académie ou de toutes sortes de minauderies pour faire joli. Seule compte la musique. Et, c’est d’ailleurs elle seule qui le dompte. Les prises pour l’émission s’accumulent telles des secondes gâchées dans un cendrier. Difficile de trouver la bonne prise entre les ratés du journaliste et Monk qui se dessaisit de l’étreinte de ce que l’on veut lui faire dire. Ou jouer.  

Nous avons droit à quelques très beaux solos de Monk au piano dans Rewind and play. Mais plus le temps passe et plus la relation entre lui et le journaliste blanc, amateur de Jazz, devient la taule dont Monk, l’esclave noir ou le hamster, doit se contenter selon le souhait du Maitre. Pas bouger. Toi, obéir et faire comme on te dit.

En regardant Monk et ses sourires de politesse, on croit alors voir plusieurs fois un esclave du sud des Etats-Unis tels qu’on a pu nous les décrire du temps de l’esclavage.

Le journaliste, qui se veut sans doute ouvert d’esprit n’a de cesse de rappeler que lors son premier passage en France 15 ans plus tôt, en 1954 ( année du début de la guerre d’Algérie, laquelle n’est pas mentionnée), sa musique était sans doute « encore trop avant gardiste » et le public français ne l’avait alors pas « comprise ». Sauf qu’ensuite, l’esprit rétrograde de ce même journaliste- qui n’a pas compris- produit des étincelles. Et ce n’est pas du Be Bop.

Lorsque Monk s’exprime enfin librement et suggère le racisme qu’il a subi car, malgré son statut de musicien célèbre, il avait été moins bien payé que les musiciens ( blancs) qui l’accompagnaient, le journaliste décide de couper ce passage, le jugeant « désobligeant ». On découvre alors que même en Europe où il est donc désormais adulé, Monk n’est qu’un Noir qui doit rester à sa place dans son rôle de sous-homme seulement compétent pour divertir des blancs condescendants et ignorants  comme ont pu les  décrire certains héros de la Négritude tels Césaire ou Senghor.

Malgré la barrière de la langue (Monk ne parle pas Français) Monk déchiffre parfaitement son interlocuteur. Peut-être parce-que, où qu’ils soient dans le Monde, tous les racistes composent le même fond de notes. Et, Monk, en a assez de ces singeries.  

Rewind and Play sortira au cinéma le 11 janvier 2023.

Franck Unimon, ce vendredi 23 décembre 2022

Saint Omer, un film d’Alice Diop sorti au cinéma ce mercredi 23 novembre 2022.

Chaque crime nous rappelle que nous restons au bord de l’abîme. Nous avons beau courir.

On comprend donc, facilement, que pour écrire le scénario de Saint Omer, sa première œuvre de fiction, la réalisatrice Alice Diop ( La Mort de Danton, La Permanence, Nous ) se soit entourée de sa monteuse Amrita David et de l’écrivaine Marie Ndiaye.

Puisque Saint Omer relate le procès d’un fait divers où, en 2015,  une mère avait « déposé » en pleine nuit sa fille de 15 mois au bord de la mer à Berck sur Mer, provoquant ainsi sa mort par noyade.

 Saint Omer est d’abord un film de femmes. Un film où tous les premiers postes sont occupés par des femmes :

La réalisatrice, les scénaristes, la mère infanticide Laurence Coly, le personnage principal et double de la réalisatrice, les mères de Laurence Coly comme du personnage principal (Rama), la juge, l’avocate de l’accusée…

A cette sorte de solidarité féminine ou de sororité, Alice Diop a ajouté les renforts de la littérature (dont Marguerite Duras et Marie Ndiaye), un travail d’archives (les femmes tondues à la fin de la Seconde Guerre mondiale, des images de la vie familiale passée du personnage principal) ainsi que son intimité et son expérience de ce procès auquel elle avait assisté alors qu’elle était enceinte.

L’héroïne, Rama ( l’actrice Kayije Kagame) est ainsi romancière en plus d’être enseignante, mais a aussi du mal à accepter sa première grossesse lorsqu’elle part assister au procès de Laurence Coly, la mère infanticide. 

Lorsque le réalisateur Jeff Nichols avait fait Take Shelter, la menace qu’il redoutait pour son enfant à venir était extérieure. En cela, Nichols avait peut-être mis en scène une expérience et une peur plutôt masculines face à une naissance à venir. Par ailleurs, Jeff Nichols, sans que cela soit un reproche de le souligner, est un homme blanc dans un monde de blancs.

Alice Diop, elle, nous parle en peurs intérieures. Elle a réalisé Saint Omer en devenant ou après être devenue mère pour la première fois, d’un enfant métis, en étant une femme noire dans un monde de blancs, à commencer par la France.

Je me rappelle que dans Nous, si je ne me trompe, elle nous avait appris que son père, parti du Sénégal pour venir travailler et résider en France et qui y avait vu naître ses enfants, avait accusé le coup en silence lorsqu’elle l’avait informé qu’elle avait l’intention de faire sa vie en France.

Il y avait donc pour Alice Diop au moins deux contraintes personnelles de taille à devenir mère en France. D’une part, l’incertitude concernant l’avenir lorsque l’on est une femme noire en France. Déjà, être une femme, en soi, reste une situation ou un état qui expose à certaines violences ne serait-ce que dans le monde du travail. D’autre part, être noire, rajoute à cette incertitude.

Ensuite, il y avait le fait, pour elle, de contredire le souhait de son père.

Et, sans doute devrais-je aussi rajouter (j’ai tendance à l’oublier du fait de sa réussite en tant que réalisatrice) qu’Alice Diop a eu aussi à faire ou a sans doute à faire avec la contrainte initiale d’avoir grandi dans un milieu de classe moyenne en banlieue parisienne, à Aulnay Sous Bois. Par là, je fais allusion aux codes sociaux à intégrer qui ont sans doute été différents de ceux qu’elle connaissait (et qu’elle connaît) lorsqu’elle s’est lancée dans une carrière dans le cinéma qui compte parmi beaucoup de ses intervenants des personnes d’un milieu socio-économique et ou culturel plutôt élevé ou favorisé.

Le Fait divers

Lorsqu’arrive ce fait divers d’une mère infanticide, très vite, qu’Alice Diop devine être d’origine sénégalaise, tout comme elle,  elle est enceinte pour la première fois de sa vie. La réalisatrice l’explique au moins dans cette interview que l’on peut lire dans le journal Libération sorti ce mercredi 23 novembre.

Toujours dans cette interview, Alice Diop explique aussi avoir été particulièrement attirée par ce fait divers. Ce qui est contraire à ses habitudes, elle qui prise assez peu ce genre d’événements.

Ce fait divers la décide à se rendre au procès contre l’avis de son compagnon et sans rien en dire à quiconque par ailleurs. Elle est alors sans projet de film sur le sujet à cette époque.

Une expérience hors normes

Pour le peu que j’arrive à en connaître, la grossesse est une expérience hors normes mais aussi hors morale. Il existe bien des injonctions morales ou sociales qui dictent ce qu’une femme et un homme devraient faire  ou ressentir lors de ces expériences et de ces étapes de la vie. Mais, dans les faits, cela peut se passer autrement. Une femme alors qu’elle est enceinte, peut être ambivalente et avoir  des idées de mort. Certaines psychoses se déclarent aussi lors de la grossesse. On parle alors de psychose puerpérale.

 Saint Omer raconte aussi ça. Comment une femme, éduquée, brillante intellectuellement, très câline avec des enfants qu’elle avait pu garder pendant deux à trois ans, peut, « in fine », dissimuler autant que possible sa grossesse, accoucher seule, prendre un train, réserver une chambre d’hôtel, puis, en pleine nuit, équipée d’une lampe frontale, partir déposer son enfant au bord de la plage alors que la marée monte.

Dans son interview, toujours dans le journal Libération de ce 23 novembre 2022, Alice Diop dit que la journaliste du journal Le Monde qui avait écrit sur ce fait divers s’est reprochée a postériori d’avoir écrit que cette mère avait « déposé » son enfant. Et qu’elle aurait dû écrire « Noyé ». Alice Diop précise dans l’interview  que si cette journaliste avait écrit « Noyé son enfant », qu’il n’y aurait pas eu de film.

Un procès est aussi une expérience qui peut s’avérer être hors normes. Mais Saint Omer n’est pas le procès d’une grossesse.

Film de femmes et ouvertement en faveur d’une meilleure représentation des Noirs dans le cinéma français (Rama, le personnage principal, est enseignante et plutôt taciturne, ce qui nous change de la femme de ménage ou de la doudou rigolote), Saint Omer laisse également place à certaines réminiscences traumatiques.

La première fois que Laurence Coly ( l’actrice Guslagie Malanda), l’accusée, est emmenée à la cour, et attachée dans le dos, pour le début de son procès, il m’a été impossible de ne pas penser à l’esclavage. Pendant quelques secondes, avant que la juge ne prenne la parole, Laurence Coly fait alors penser soit à la femme esclave que l’on va vendre ou à celle que l’on va livrer à la vindicte publique.

Mais Alice Diop avait prévenu dès le début de son film, avec ces images des femmes tondues à la libération et ce commentaire qui dit que « Les héros (donc des hommes) » qui tondent ces femmes sont des « héros sans imagination ». Diop nous dit que si ces femmes ont commis l’irréparable, qu’il y a une autre façon de s’y prendre avec elles qu’en procédant à cette humiliation publique qui laissera en elles une « flétrissure ».

Saint Omer cherche donc à comprendre cette mère infanticide plus qu’à la bannir.

La Puissance féminine

Pour cela, j’avais déjà commencé à en parler, je comprends qu’Alice Diop ait eu besoin de deux autres personnes avec elle pour le scénario et le portrait de cette femme. D’un côté, Amrita David, sa monteuse depuis plusieurs films. Et Marie Ndiaye, l’écrivaine, mais aussi mère, je crois, de deux enfants également métis et l’aînée (12 ans les séparent) de quelques années d’Alice Diop.

Selon moi, cette mère infanticide, d’après ce que j’en vois dans Saint Omer ,est psychotique. Pour sa froideur, pour sa façon de parler de sa fille comme d’un objet fonctionnel ou une mécanique. Pour sa manière de faire plus que d’être ou de vivre.

Je remarque aussi que cette mère se sépare de sa fille lorsqu’elle a quinze mois, soit, lorsque celle-ci commençait peut-être à marcher et, donc,  à devenir autonome et à pouvoir commencer à se séparer d’elle.

Avec Marie Ndiaye, cette femme devient quelque peu une femme puissante. Je me trompe peut-être en écrivant ça. Peut-être ou sans doute que cette idée de puissance provient-elle des trois femmes scénaristes. Mais, avant même de savoir que Marie Ndiaye avait participé à l’écriture du scénario, j’ai trop senti cette empreinte ou ce « label » de la puissance de Marie Ndiaye sans avoir pour autant lu un seul de ses livres.

Sûrement parce-que s’il peut y avoir une certaine forme de puissance, dans le fait, pour cette femme, d’aller à l’encontre de l’entendement : exposer ou offrir son enfant à la mort.

Pour moi, la puissance est avant tout ou doit être avant tout destinée à la vie. Je sais bien que c’est faux : il est bien des puissances qui s’exercent sur autrui et plutôt au bénéfice de la destruction et de la mort. Et pas seulement dans Harry Potter et Black Panther….

Alors, je dirais que j’ai du mal avec cette « puissance » attribuée à cette mère et à cette femme car, contrairement à Duras, citée dans le film, je ne la trouve pas sublime.

Les mères dans Saint Omer

Pour reprendre des propos du compagnon de Rama, Adrien ( l’acteur Thomas de Porquery), les mères dans le film sont plutôt « cassées ». Adrien parle alors de la mère de Rama quand il lui explique:

« Ta mère est cassée ».

Mais la mère de Laurence Coly, même si elle essaie de faire bonne figure, l’est également. Mais pas de la même façon que la mère de Rama. Si la mère de Laurence Coly reste sûre de son fait comme de la bonne éducation qu’elle a pu lui donner, la mère de Rama est plutôt une mère défaite. On a plutôt envie de ramener la première à la raison mais on « devine » que celle-ci se montrera si combattive qu’il sera sûrement impossible d’y parvenir. Alors que l’on a assez envie de prendre la seconde dans nos bras afin de tenter de la consoler. Sauf que cela est aussi impossible car cette mère reste suffisamment forte pour résister à ce réconfort et s’éloigner.

Dans Saint Omer , Laurence Coly, qui a été une enfant parfaite et une élève brillante, parle peut-être telle que ces deux mères auraient certaines fois voulu le faire si cela avait été possible pour elles dans un monde d’hommes. Saint Omer nous suggère peut-être que pour que la parole soit donnée aux femmes, dans notre monde d’hommes, qu’il leur faut d’abord passer par le crime. 

Personne ne cherche à entendre ou à savoir ce que pense ou ressent une élève brillante et sans histoire. Comme personne ne cherche à savoir ce que pense ou ressent la mère de Rama, lorsque dans le film, parée de ses bijoux et de sa belle robe et apparaissant comme une femme brillante et parfaite, grosse de sa tristesse que seule l’enfant Rama vit et perçoit, elle apporte un repas de réjouissance pour les convives attablés. 

Le seul trait d’humour, involontaire et « forcément » très noir, du film intervient lorsque Laurence Coly raconte qu’une fois arrivée à Saint Omer, c’est une femme, « guide touristique », qui lui a appris où se trouvait la mer. J’essaie d’imaginer un peu, sans y arriver, l’effroi de cette guide après la nouvelle de l’infanticide. Cette guide était peut-être une mère ou envisageait peut-être de le devenir un jour. 

Paroles d’homme

J’ai écrit au début de cet article que Saint Omer est un film de femmes. Cela est nécessaire pour tenter de rétablir certaines injustices. Mais c’est aussi le travers du film.

D’abord, j’ai du mal avec cette citation de Duras à propos de l’affaire Grégory car, pour le peu que je sais, rien ne prouve comme l’avait affirmé Duras que la mère du petit Grégory ait véritablement été l’auteure du crime.

Ensuite, en tant qu’homme, pour ma part, j’aurais plutôt tendance à fuir une femme qui ressemble à Laurence Coly. Je ne parle même pas de la mère qui a tué ou « offert » son enfant à la mer. Je parle de la psychose, de sa froideur, de sa psychorigidité…

Lorsque Luc Dumontet, son ex compagnon, parle des « jalousies » de Laurence Coly, capable d’être en colère «pendant plusieurs jours », j’imagine des scènes de jalousie aussi obstinées que brusques et incompréhensibles. Ce genre d’attitude ne me donne pas vraiment envie d’avoir une relation avec une personne pareille. Mais pour qui l’a, ce genre de relation est particulièrement difficile.

Dans le film, j’ai donc trouvé particulièrement violente cette scène où l’avocate ( Maitre Vaudenay jouée par Aurélia Petit) de Laurence Coly balance en public à l’ancien compagnon de celle-ci ( Luc Dumontet, joué par l’acteur Xavier Maly) qu’il a été d’une « grande lâcheté » !

Cette avocate, Maitre Vaudenay, commence par prévenir cet homme qu’elle n’est pas là pour le juger car la couleur de sa robe est noire et non rouge, comme celle de la juge. Puis, finalement, brusquement, Maitre Vaudenay juge Luc Dumontet ( l’ancien compagnon de Laurence Coly) en public. Pour moi, cette femme avocate tond en public l’ancien compagnon de l’accusée.

Que cet homme ait été lâche, qu’il ait préféré cacher sa relation ou disposer de cette femme et future mère infanticide, soit. Par contre, tout lui reprocher comme s’il avait eu, lui, la capacité de tenir tête à cette femme qui (là, je rejoins l’idée de sa puissance) est le contraire d’une femme docile et qui, qui plus est, est psychotique….

Cet ex compagnon que j’ai vu dans Saint Omer, lorsqu’il raconte cette période heureuse avec Laurence Coly ( l’actrice Guslagie Malanda) et leur enfant m’a beaucoup donné l’impression d’un homme qui ne savait vraiment pas avec quelle genre de personnalité il se trouvait. Et qu’il était, au fond, complètement dépassé alors qu’il vivait, lui, le grand bonheur passé qu’il raconte à la cour.

En cela, cet homme est semblable à beaucoup de personnes, femmes comme hommes, qui, peuvent connaître des moments importants avec une personne, qui, malgré ou du fait de l’intimité partagée avec elle, ignorent beaucoup d’elle. Pas une seule fois, lorsque Luc Dumontet, l’ancien compagnon de Laurence Coly témoigne, il ne prononce le mot « Psychose » ou ne semble se dire, ou comprendre, que celle-ci puisse avoir eue une personnalité « un peu » pathologique. 

Et, un homme qui raconte, comme cet ex compagnon le fait, qu’un homme de son époque ne s’occupe pas des enfants ou ne sait pas s’en occuper, va spontanément s’en remettre à la femme et à la mère pour cela, ne me paraît pas être un homme lâche. C’est un homme limité, archaïque ou dépassé, si l’on veut. Mais pas plus lâche que bien d’autres.

Je le pense d’autant plus qu’assez régulièrement, je m’interroge à propos de certaines personnalités ( masculines) en essayant de les imaginer en train de s’occuper de leurs enfants, bébés. Et, j’ai quelques fois bien des doutes- fondés ou infondés- concernant leurs capacités de «nursing » : se lever en pleine nuit lorsque bébé pleure, changer sa couche, préparer son biberon, lui donner son biberon,  prendre bébé dans ses bras, être avec lui à la maison ou sortir avec lui, lui parler….

Si je vois Laurence Coly, l’accusée, comme psychotique, paradoxalement, je ne la vois pas « folle » comme son avocate la voit. Je crois que l’avocate de Laurence Coly se rassure beaucoup en voyant sa cliente, Laurence Coly, « seulement » comme  folle. Parce-que si elle est folle, cela veut dire qu’elle est vulnérable, à soigner et à protéger. Moi, je ne crois pas que Laurence Coly soit aussi vulnérable que son avocate la voit. On a une petite idée de l’aplomb- mais aussi de la maitrise- dont elle peut être capable lorsqu’elle répond à l’avocat général ( l’acteur Robert Cantarella) qui fait beaucoup plus le poids que son ancien compagnon n’était sans doute capable de le faire dans leur intimité.

Je ne suis pas persuadé que dans le « couple » que Laurence Coly a formé avec Luc Dumontet, que celle-ci ait toujours été la personne dominée. Malgré la différence du nombre d’années, malgré la différence de statut social et de couleur de peau.

 Mais il est plus facile à Maitre Vaudenay de voir l’ex compagnon de sa cliente comme un « lâche » qui a failli à ses responsabilités et, disons le une bonne fois pour toutes, comme un homme à qui il a manqué une bonne paire de couilles. Car c’est ça- en d’autres termes- que l’avocate de Laurence Coly dit à l’ancien compagnon de celle-ci.

Par ailleurs, je suis étonné que l’ex compagnon de Laurence Coly ne soit, lui, défendu par personne dans la cour. 

Mais il n’y a pas que ce portrait de cet homme « lâche » et sans couilles qui m’a dérangé dans Saint Omer.

Le compagnon ( Adrien, joué par l’acteur Thomas de Pourquery)  de l’héroïne est plutôt sympathique. Il a une bonne tête, c’est un zicos ( musicien) il est ouvert, poli, sociable, solide, patient, compréhensif. Mais c’est un faire valoir. Il est juste là pour arrondir les angles, pour servir de confident et de doudou rassurant lorsque Rama, l’héroïne, craque et à juste titre. A force de rester à proximité de l’abime, celui-ci finit par prendre la forme de notre visage et de notre regard.

Le compagnon de Rama serait l’homme parfait mais aussi un père attentif et présent. Mais cet homme parfait, tel qu’il est, me dérange beaucoup. Je ne vois pas très bien où se trouve l’Amour dans ce couple mixte et « moderne ». Je ne vois pas très bien ce qui donne envie à cet homme d’être avec cette femme si taciturne. Je ne vois pas très bien ce qui donne de la vie à leur relation de couple.

L’autre homme que l’on voit dans le film, c’est l’avocat général. Bon. Il fait son travail. On a donc, d’un côté, un homme lâche qui est pire qu’un pauvre type et qui n’a plus qu’à aller se suicider après s’être fait exécuter publiquement – et froidement- par l’avocate de son ex compagne. On a un homme parfait qui fait office de faire valoir. Et un homme qui fait son travail de procureur. Au suivant.

On pourrait ajouter le juge d’instruction plus ou moins raciste que l’on voit un peu témoigner et qui a ou aurait livré, clés en mains, à l’accusée sa méthode de défense. Juge d’instruction remis en cause par l’avocat général qui fait plutôt bien son travail de procureur, il me semble.

Et puis, surtout peut-être, il y a le père de l’accusée, absent au procès, au contraire de la mère. Le père qui s’est fâché avec elle lorsque celle-ci a pris la décision d’arrêter des études de droit pour faire de la philo. Le père qui a, dès lors, arrêté de la soutenir financièrement et moralement. Poussant ainsi sa fille à trouver des solutions pour s’en sortir économiquement.

Il y a aussi le père disparu de Rama.

Enfin, il y a les femmes, les enfants et les hommes migrants qui se noient en mer en essayant de la traverser. Des personnes que l’on ne voit pas, que l’on ne rencontrera pas, et qui, pour certains, tombent dans les filets des nombres dont on déverse de temps à autre le contenu en nous apprenant que tant de personnes sont mortes en mer, après que les flotteurs de leur embarcation se soient dégonflés comme, récemment, avec le Viking Océan, entre l’Angleterre et la France. Si l’on peut faire à peu près tout dire au « personnage » incarné par Laurence Coly ou lui prêter une bonne partie de nos projections, de notre attraction comme de notre répulsion, selon ce qu’elle nous inspire, les circonstances de la découverte du cadavre de la petite Lily sont néanmoins relatées dans Saint Omer  par la juge et Présidente ( l’actrice Valérie Dreville). C’est un pêcheur qui découvre le cadavre et qui croit, au départ, qu’il s’agit du corps d’un enfant migrant.

On peut  penser que Laurence Coly avait tout pour réussir. Qu’elle était du bon côté de la mer comme on peut être dans le bon quartier d’une ville, à la bonne époque, dans la bonne école, et réunir les meilleures conditions qui soient pour réussir en étant la même personne. Le film Atlantique de Mati Diop peut aussi, un moment, se profiler dans l’horizon de notre mémoire. 

Car on peut considérer que réussir à bien accoucher revient à bien traverser la mer pour se retrouver du bon côté de la vie- et, qu’alors que le plus dur a été accompli, que Laurence Coly, elle, en quelques minutes, détruit ce pour quoi d’autres vont prendre tous les risques, voire mourir, sans l’obtenir. Traverser la mer, obtenir une meilleure vie. Donner la vie. Laurence Coly s’en détourne car, pour elle, la Sénégalaise partie en France poursuivre des études supérieures, cela lui rendra la vie plus facile…

L’accusée est décrite à la fin du film, par son avocate, comme une « femme fantôme ». Mais, pour moi, les hommes aussi sont des fantômes dans cette histoire. Mais aussi dans ce film.

J’ai aussi été perplexe devant les pleurs de l’accusée à la fin du film. Les pleurs.

Les pleurs et les femmes

J’espère que l’on ne va pas essayer de se convaincre que parce-que cette accusée pleure à la fin du film, qu’elle en est plus humaine. Ou qu’elle rejoint enfin, le cercle des êtres humains. Et qu’il y a donc de l’espoir pour la personne qu’elle est en tant qu’être humain. Laurence Coly n’a jamais cessé d’être humaine. Mais son humanité menace la nôtre. 

Je me demande la raison pour laquelle l’accusée pleure à la fin du film. Elle peut avoir été réellement émue. Elle peut, aussi, pleurer parce-que son avocate, par sa plaidoirie, plus brillante que les suggestions faites par l’instruction plus ou moins raciste, lui indique ainsi comment se comporter. L’accusée pleure au bon moment. Ce qui pourrait inciter à penser qu’elle véritablement des «nôtres». Sauf que même sans pleurs, elle était déjà des « nôtres ». 

Dans Saint Omer , Alice Diop nous montre une femme qui a déposé son enfant devant la mer. Devant cette femme, je dépose mes doutes. Devant le film, je suis partagé mais je suis content qu’il existe et qu’il ait eu des prix. Les acteurs jouent bien. L’actrice Guslagie Malanda ( Laurence Coly) se détache. Mais j’ai aussi beaucoup aimé le jeu de l’acteur Xavier Maly ( Luc Dumontel) car bien jouer «un lâche » est un exercice plutôt difficile.

Franck Unimon, ce jeudi 24 novembre 2022

Retour à Séoul un film de Davy Chou au cinéma le 25 janvier 2023.

Retour à Séoul aurait pu avoir pour sous-titre : Le Prix du Matin calme.

Alors qu’il est en quête d’harmonie, le loup occidental  croit l’apercevoir dans certains pays d’Asie. Si l’on fait partie de ces personnes attirées par l’Asie au moins pour cette « raison » ou cette croyance, on envie la jeune Freddie lorsqu’elle arrive en Corée du sud au début du film. Freddie est alors notre alibi et notre double. Bien que d’origine et d’apparence coréenne, elle a toujours vécu en France et parle à peine Coréen. C’est une jeune femme dans la vingtaine très à l’aise pour les relations sociales. Au lieu de se regarder dans un miroir en attendant que quelqu’un vienne à elle, c’est elle qui s’avance vers les autres.

Sa facilité pour entrer en contact, en abattant les distances, avec les jeunes Coréens surprend (et cela nous surprend tout autant). Mais cela les fascine aussi et semble leur simplifier la vie. Tels les timides invités d’une soirée ou d’une  société, ces jeunes Coréens semblent avoir toujours attendu que quelqu’un comme Freddie les rejoigne et  fasse pour eux le premier pas, les autorisant en cela à s’avancer ensuite.

Le pays du Matin Calme serait donc un de ces endroits où l’harmonie est obtenue en maintenant, dès son plus jeune âge, chaque individu à l’envers de soi sur  un socle.

Freddie, « la jeune étrangère », est celle qui provient du hors champ de cette éducation à la Coréenne. Laquelle éducation, pour garantir l’harmonie sociale d’un pays, n’en n’enferme pas moins ses citoyens. Le pays tout entier est leur prison et s’étend jusqu’à leur espace social, émotionnel, corporel et mental.

« Tu es une personne très triste » lui dira pourtant plus tard en Français Tena ( l’actrice Guka Han, également auteure du livre Le jour où le désert est entré dans la ville ) une de ses amies coréennes pourtant peu portée sur l’extravagance. Comme si le fait d’avoir laissé filer cette tristesse hors de son bol intérieur était une grande tare sociale en Corée du sud. Ou que le secret de cette trop grande liberté de Freddie, d’abord entraînante et extraordinaire, avait pour elle le tort d’avoir été révélé.

L’armature des convenances est telle qu’il convient de toujours aller bien et de savoir garder pour soi certaines émotions afin de ne pas incommoder les autres avec celles-ci. Rien ne doit dépasser ou déborder.

Le pays du Matin Calme est peut-être le pays où l’on aspire parfois à extraire de soi ce que l’on ressent afin de l’exprimer mais où le risque reste trop grand de se retrouver dévalué, aux yeux des autres ou à nos propres yeux, si l’on se confie tel que l’on est. Car nos secrets nous protègent.

Or, Freddie, elle, déborde et se livre allégrement comme une enfant tandis que les jeunes Coréens alentour se tiennent bien et à l’abri du jugement des autres.

La récréation, pour Freddie, dès lors, se fait courte. Après les premiers temps de l’exaltation de la découverte de la Corée du Sud, il lui faut aussi passer aux choses sérieuses.

De d’abord libérée par rapport à ses rencontres coréennes, car Française, Freddie trouve ensuite sa propre prison. Celle de l’histoire de son adoption. Car elle est née Coréenne. Ses amis coréens lui parlent du centre Hammond qui aide les enfants coréens adoptés à retrouver leurs parents biologiques.

A partir de là, Retour à Séoul cesse d’être la comparaison amusante mais aussi embarrassante – Freddie se montre par moments assez rude ( tant en Français qu’en Anglais ) envers certaines mœurs coréennes-  entre deux cultures, Coréenne et Française, pour devenir le récit de la fabrication « en accéléré » d’une nouvelle identité.

Freddie est spécifiquement Française au début du film. A la fin du film, sa part coréenne sera établie.

Le processus, sur plusieurs années, sera plusieurs fois déconcertant et difficile.

Il contiendra aussi son lot de dérives. Car tant que l’on fait semblant et que l’on raffole de l’instant et sans attente particulière, ce que l’on vit est sans conséquences. Par contre, lorsque l’on s’expose au Temps des autres et que l’on en attend des réponses….

Freddie ne peut pas se soustraire à cet autre voyage. Celui de son histoire personnelle et de son identité pour lequel ses parents adoptifs français, malgré tout leur Amour et tous leurs efforts, restent et redeviennent deux étrangers.

Après plusieurs voyages au Japon, pays proche, celui de Freddie en Corée du Sud, plus personnel et moins exotique, est le voyage de la maturité.

Presque paradoxalement, l’inconnu de ses origines qui construit sa quête, le handicap d’être Française comme celui de peu parler la langue coréenne vont aussi lui permettre de prendre des décisions, comme de mener une vie, dont elle aurait sûrement été incapable si elle avait toujours vécu en Corée et toujours été « seulement » Coréenne.

Pour réaliser ce film, Davy Chou s’est inspiré librement de la vie de Laure Badufle qui a participé à la conception du scénario. Aujourd’hui, Laure Badufle est devenue Coach professionnelle de l’Ecole Française de Coaching, enseignante de Yoga Kundalini et co-présidente de la Fédération Française FFKY. Elle a aussi « créé le programme Adoption Mastermind pour accompagner adopté.e.s et adoptants à travers les défis de l’adoption et travaille avec des associations en France et à l’étranger ( Racines Coréennes, La Voix des Adoptés, G.O.A’ L (….) ».   

Dans le film Retour à Séoul, L’actrice (Park Ji-Min II) qui incarne Freddie passe par un spectre de regards et d’émotions qui la rendent tantôt attachante, tantôt agaçante mais aussi cruelle, froide ou effrayante. Parfois, elle scrute voire sectionne du regard ses interlocuteurs comme des insectes de passage ou de transition mais aussi comme si elle voulait se réincarner dans leur histoire personnelle. On ne la quitte pas des yeux tant son jeu est convaincant.

A la fin du film, Freddie demeure une personne assez insaisissable. Peut-être parce qu’elle est devenue un être humain plus libre et plus heureux en achevant bien sa mue en tant que Coréenne. 

Retour à Séoul sortira au cinéma le 25 janvier 2023.  

Franck Unimon, ce vendredi 18 novembre 2022.